文．採譜 / 謝啟彬 Chi-pin Hsieh
這回的採譜分析，我們將把重點擺在「節奏」上，正如各位都曉得的，傳統爵士樂與其他音樂種類相較起來，最大的節奏特色即在於「搖擺感」（Swing Feel），這是譜面上所表現不出來的。或許更進階的各位也都知道「將八分音符當成是三連音，前面的音兩等分，後面的音一等分，並加重音在後面的音」的道理，但當實際演奏時，真的能夠這樣想嗎？我想答案是否定的，因為決定搖擺與否的因素，更加上了旋律線的走向、強弱、抑揚頓挫（Articulation）及常用的節奏句型（Rhythmic Patterns），過分地強調三連音加重音的原則，聽起來終究仍會落入十六分附點音符的「進行曲」味道而已。
多說無益，讓我們一起來聽聽爵士大師們是怎麼樣的詮釋手法，希望能幫助各位更了解搖擺感的形成及正確的概念。這首《Falling In Love With Love》原本是3/4拍的歌舞片華爾滋，後來爵士音樂家們將它改成了標準32小節4/4拍的swing節奏，和絃進行也改用更接近傳統爵士樂慣用的手法，當然也漸漸使本曲成為經典曲（Standard）之一了。
此次收錄的版本是兩位小號手Art Farmer及Clifford Brown於1953年在瑞典斯德哥爾摩與當地的爵士樂高手合作錄製的，三年後Clifford Brown不幸車禍喪生，Prestige唱片公司便把他的另一次session與這次加起來，發了一張「Clifford Brown Memorial」（Prestige OJCCD-017-2）專輯紀念他，各位應可以在本地唱片行找到，因為我自己這張也是在台灣買的。
與之前的採譜系列不同的是：這次我採下了詳盡的主題律動部份，因為他們的詮釋對了解爵士慣用的句法很有幫助，當然，會這麼演奏是因為編過曲的緣故，否則五支管樂光齊奏或各自詮釋主題可能會不太好聽，既然是同樣的律動而不同的旋律線條，樂手對於抑揚頓挫該如何一致便得事先商量，才能呈現出唱片中的效果。OK，讓我們開始吧！
曲子的一開始是八小節的前奏，各位要特別注意的是我所加註的表情記號：尖尖往上指的重音（^）與一般的重音不同之處在於它是用〝點〞的方式演奏，力道則介於重音（＞）與頓音（．）之間，多出現於八分音符的弱拍上，也就是後半拍，各位可以想像煞車時身體前俯再後仰的感覺，跟這種「輕強拍—重弱拍」的表現應有異曲同工之妙。兩句前奏的樂句句型是一樣的，加上每後半句鋼琴comping的節奏，已清楚地宣示了swing的出場，配合著鼓的節奏，請各位揣摩它們的感覺，應可以給你一些線索，我們待會兒再來揭曉。
隨著主題的開始，請將你的打拍及身體律動著重在第二及第四拍，而且，BE COOL ! ，不要趕拍，不要再想三連音，保持放鬆的心情跟著樂團唱旋律，並看著譜注意不同的重音、切分、搶拍、圓滑線、強弱等，多反覆幾次，直到你也很舒服為止。現在，感覺到swing了嗎？是不是能掌握到那獨特的抑揚頓挫？其實各種好音樂的原理都一樣，只有「收縮—鬆弛」（Tension - Release）這種符合人體自然狀態的，才能令人類感到自在愉快，只是這種原生於黑人的音樂律動在別的種族聽來，需多花點時間來適應就是了。（這個版本除了兩位小號手以外，其他皆是瑞典人）
那麼接下來，就讓我們來〝解剖〞一下吧！除了以上所提的輕重音外，你會發現許多的切分音，也就是弱起拍，通常爵士音樂家在演奏弱起拍時，皆如採譜譜例所示，會加上程度不一的重音（＞），而句子的結束，亦大多數落於弱拍上，並加上較斷的重音（^），換句話說，swing的句子很少於重拍開始，也幾乎不在重拍結束（白人音樂則恰恰相反），如果有的話，也是以較短或較弱的音帶過，依據這樣的原則，我們於慣性上會得到以下的句型：
但我們再看近一些，如果真這樣持續演奏，我們得到的則是12/8 Shuffle Rock的感覺，而非爵士的swing，如果樂手要表現音樂性的話，勢必以他的獨奏旋律為第一優先，再來則是考慮因應和絃的重點音，這是需要強調的，因此，適當的句型應如下所示：
各位可以依旋律性的原則找出各種swing句型並組合變換，或增添八分音符的連結，或補入休止符，但唯獨連續性的例一萬萬不可，這是許多教材內未注意到的小細節。此外很重要的是：在適當的時刻開始你的句子，也在適當的時刻結束你的句子，需要整合得成功，你得善用「休止符」，這也是讓solo具有節奏性或旋律性的最重要因素。緊接著讓我們看看兩位小號手真正的即興演奏，看看截至目前的觀察是否能得到更多印證。
Art Farmer的演奏基本上非常地冷靜規矩，這也是一個標準的Bebop概念solo，在音符的選擇上以調性音與和絃音（琶音）為主，加上許多的經過音或半音圍繞四周，但我們要先注意的是他的節奏idea，是不是與前述結論相同？我想答案是顯而易見的。進一步來看，各位應會發現，因應自然的趨向，幾乎每一個高音（相對於前後）皆是擺在重音位置上，當然也有幾個高音是例外的，但重音的位置也要跟著移動才自然（51、58、72小節）。
54小節的重音，是把前一個降E當半音趨近手法來處理的，還有58小節的手法，是以階梯式下行表現為考量，這些雖然都是例外，但卻符合人類聽覺的原則。另外一個應善用的是45小節第一拍的三連音，這樣的〝拋擲〞句型在爵士中大量出現，幾乎有出現一拍四分音符之處皆可以此替換，效果只是要避免連續八分音符的無聊，可是卻有絕佳的swing效果，各位還能在66小節看到，而在待會兒Clifford Brown的solo中，尚有更多一樣的概念。
各位需要注意的是swing圓滑線的部份，切勿過分強調重音，應平順帶過，把重點擺在譜上所標之重音上，總之便是要儘可能地貼近Art Farmer的solo，尤其是有Rush及Lay Back的段落。另外，雖然選擇用音不是我們今天的重點，但有些精彩之處不能忍住不提，或許能幫助各位更了解Bebop，首先是54小節的Am7-D7，選用的音為Am7的5-b3-1-b7，接過去D7(b9)的3-b9-7-(1)，這樣的pattern於Bobop音樂中隨地可見，琶音的次序可以任意掉換，但要符合高音於swing重音位置的原則……
什麼？不太了解？！沒關係，關於爵士理論的整體概念我們會漸漸地補足，現階段再送你一個更〝猛〞的玩法，希望聰穎的各位馬上就能了解，請各位看到74小節，原本只是F7→BbMajj7的V7-I進行，Art Farmer將它延伸成F7(5-9-b7-5)→A7b9(3-5-b7-b9)→Dm7(5-b3-1-b7)→G7b9(3-5-b7-b9)→Cm7(5-b7-9-11)的琶音線性（Linear）進行，非常之爵士功能和聲，也非常之平順。最後一個印證爵士理論之處在於57小節，於V7/V(C7）上使用Lydian b7音階（1-2-3-#4-5-6-b7），惟我想Art Farmer當時並不知道這個音階名稱，他知道的是於V7/V上著重#11音會好聽，聲音會〝對〞，不要忘了，理論都是跟在音樂的後頭出現的！
比起Art Farmer，Clifford Brown的solo更有創意，聽起來亦“彈跳”（Bouncing）許多，主要是在於他對強弱對比的運用、更誇張的重音，及更多的裝飾音、更戲劇性的線條，並試圖跳脫以八分音符前進的窠臼，以更明顯的節奏變化來加強音樂性。那麼為什麼前後兩人參考同樣的原則，吹一樣的樂器，卻有截然不同的成果呢？答案在於：這就是爵士樂，你的人格與個性，終究會反應到你的演奏，逐漸地，別人也能夠很快地辨認出你的風格，這不是只靠讀書或練習就可得來的。
仔細聆聽Clifford Brown的solo，是不是能夠清楚地印證之前所有我們討論過的爵士樂特徵呢？我自己是比較偏愛後者的演奏的，因為他是那麼地乾淨俐落，高度音樂性，聆聽時我更會不自覺忘了所有的理論與規則，讓Brownie的音樂帶著我前進，結束後，除了讚嘆之外，仍是讚嘆！演奏爵士樂一定要很兇嗎？一定得完全自由即興嗎？一定要背很多音階嗎？一定得死K書搬理論來壓人嗎？多聽一些偉大的音樂家，多做詳細的分析，各位會發現︰書本在音樂人格之中所佔的只有一小部份而已，不斷利用有限的素材，去發揮無限的可能性，才是有志於奉獻爵士樂的各位所應該時刻思考的。
今天我們將重點擺在爵士節奏與律動上，希望各位都能有所體會，並回頭看看第一篇《Bag's Groove》揣摩一番，至於音的選擇及更深入的探討，我們會循序漸進地介紹。此外更要持續多聆聽多採譜，這是你能接近swing feel最有效的方法之一，當然，不同的樂器自有一套應得的方式，各位可以多請教前輩或老師，或直接以唱片為師，方為最保險之策！
好了，以上報告完畢，請拿起你的樂器（鋼琴手可免），開始學著唱片慢慢地練習吧！
《風格相近之其他專輯作品參考》
1. Clifford Brown「The Complete Paris Session, Vol I~III」(Vogue American Jazz In Paris Series 743211154612,22,32)
2. Lee Konitz & The Gerry Mulligan Quartet「Konitz Meets Mulligan」（Pacific Jazz CDP 7 46847 2）
下載原版專輯 Download the song from iTunes
延伸閱讀：
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更多爵士語彙
多說無益，讓我們一起來聽聽爵士大師們是怎麼樣的詮釋手法，希望能幫助各位更了解搖擺感的形成及正確的概念。這首《Falling In Love With Love》原本是3/4拍的歌舞片華爾滋，後來爵士音樂家們將它改成了標準32小節4/4拍的swing節奏，和絃進行也改用更接近傳統爵士樂慣用的手法，當然也漸漸使本曲成為經典曲（Standard）之一了。
此次收錄的版本是兩位小號手Art Farmer及Clifford Brown於1953年在瑞典斯德哥爾摩與當地的爵士樂高手合作錄製的，三年後Clifford Brown不幸車禍喪生，Prestige唱片公司便把他的另一次session與這次加起來，發了一張「Clifford Brown Memorial」（Prestige OJCCD-017-2）專輯紀念他，各位應可以在本地唱片行找到，因為我自己這張也是在台灣買的。
與之前的採譜系列不同的是：這次我採下了詳盡的主題律動部份，因為他們的詮釋對了解爵士慣用的句法很有幫助，當然，會這麼演奏是因為編過曲的緣故，否則五支管樂光齊奏或各自詮釋主題可能會不太好聽，既然是同樣的律動而不同的旋律線條，樂手對於抑揚頓挫該如何一致便得事先商量，才能呈現出唱片中的效果。OK，讓我們開始吧！
曲子的一開始是八小節的前奏，各位要特別注意的是我所加註的表情記號：尖尖往上指的重音（^）與一般的重音不同之處在於它是用〝點〞的方式演奏，力道則介於重音（＞）與頓音（．）之間，多出現於八分音符的弱拍上，也就是後半拍，各位可以想像煞車時身體前俯再後仰的感覺，跟這種「輕強拍—重弱拍」的表現應有異曲同工之妙。兩句前奏的樂句句型是一樣的，加上每後半句鋼琴comping的節奏，已清楚地宣示了swing的出場，配合著鼓的節奏，請各位揣摩它們的感覺，應可以給你一些線索，我們待會兒再來揭曉。
隨著主題的開始，請將你的打拍及身體律動著重在第二及第四拍，而且，BE COOL ! ，不要趕拍，不要再想三連音，保持放鬆的心情跟著樂團唱旋律，並看著譜注意不同的重音、切分、搶拍、圓滑線、強弱等，多反覆幾次，直到你也很舒服為止。現在，感覺到swing了嗎？是不是能掌握到那獨特的抑揚頓挫？其實各種好音樂的原理都一樣，只有「收縮—鬆弛」（Tension - Release）這種符合人體自然狀態的，才能令人類感到自在愉快，只是這種原生於黑人的音樂律動在別的種族聽來，需多花點時間來適應就是了。（這個版本除了兩位小號手以外，其他皆是瑞典人）
那麼接下來，就讓我們來〝解剖〞一下吧！除了以上所提的輕重音外，你會發現許多的切分音，也就是弱起拍，通常爵士音樂家在演奏弱起拍時，皆如採譜譜例所示，會加上程度不一的重音（＞），而句子的結束，亦大多數落於弱拍上，並加上較斷的重音（^），換句話說，swing的句子很少於重拍開始，也幾乎不在重拍結束（白人音樂則恰恰相反），如果有的話，也是以較短或較弱的音帶過，依據這樣的原則，我們於慣性上會得到以下的句型：
但我們再看近一些，如果真這樣持續演奏，我們得到的則是12/8 Shuffle Rock的感覺，而非爵士的swing，如果樂手要表現音樂性的話，勢必以他的獨奏旋律為第一優先，再來則是考慮因應和絃的重點音，這是需要強調的，因此，適當的句型應如下所示：
Art Farmer的演奏基本上非常地冷靜規矩，這也是一個標準的Bebop概念solo，在音符的選擇上以調性音與和絃音（琶音）為主，加上許多的經過音或半音圍繞四周，但我們要先注意的是他的節奏idea，是不是與前述結論相同？我想答案是顯而易見的。進一步來看，各位應會發現，因應自然的趨向，幾乎每一個高音（相對於前後）皆是擺在重音位置上，當然也有幾個高音是例外的，但重音的位置也要跟著移動才自然（51、58、72小節）。
54小節的重音，是把前一個降E當半音趨近手法來處理的，還有58小節的手法，是以階梯式下行表現為考量，這些雖然都是例外，但卻符合人類聽覺的原則。另外一個應善用的是45小節第一拍的三連音，這樣的〝拋擲〞句型在爵士中大量出現，幾乎有出現一拍四分音符之處皆可以此替換，效果只是要避免連續八分音符的無聊，可是卻有絕佳的swing效果，各位還能在66小節看到，而在待會兒Clifford Brown的solo中，尚有更多一樣的概念。
各位需要注意的是swing圓滑線的部份，切勿過分強調重音，應平順帶過，把重點擺在譜上所標之重音上，總之便是要儘可能地貼近Art Farmer的solo，尤其是有Rush及Lay Back的段落。另外，雖然選擇用音不是我們今天的重點，但有些精彩之處不能忍住不提，或許能幫助各位更了解Bebop，首先是54小節的Am7-D7，選用的音為Am7的5-b3-1-b7，接過去D7(b9)的3-b9-7-(1)，這樣的pattern於Bobop音樂中隨地可見，琶音的次序可以任意掉換，但要符合高音於swing重音位置的原則……
什麼？不太了解？！沒關係，關於爵士理論的整體概念我們會漸漸地補足，現階段再送你一個更〝猛〞的玩法，希望聰穎的各位馬上就能了解，請各位看到74小節，原本只是F7→BbMajj7的V7-I進行，Art Farmer將它延伸成F7(5-9-b7-5)→A7b9(3-5-b7-b9)→Dm7(5-b3-1-b7)→G7b9(3-5-b7-b9)→Cm7(5-b7-9-11)的琶音線性（Linear）進行，非常之爵士功能和聲，也非常之平順。最後一個印證爵士理論之處在於57小節，於V7/V(C7）上使用Lydian b7音階（1-2-3-#4-5-6-b7），惟我想Art Farmer當時並不知道這個音階名稱，他知道的是於V7/V上著重#11音會好聽，聲音會〝對〞，不要忘了，理論都是跟在音樂的後頭出現的！
比起Art Farmer，Clifford Brown的solo更有創意，聽起來亦“彈跳”（Bouncing）許多，主要是在於他對強弱對比的運用、更誇張的重音，及更多的裝飾音、更戲劇性的線條，並試圖跳脫以八分音符前進的窠臼，以更明顯的節奏變化來加強音樂性。那麼為什麼前後兩人參考同樣的原則，吹一樣的樂器，卻有截然不同的成果呢？答案在於：這就是爵士樂，你的人格與個性，終究會反應到你的演奏，逐漸地，別人也能夠很快地辨認出你的風格，這不是只靠讀書或練習就可得來的。
仔細聆聽Clifford Brown的solo，是不是能夠清楚地印證之前所有我們討論過的爵士樂特徵呢？我自己是比較偏愛後者的演奏的，因為他是那麼地乾淨俐落，高度音樂性，聆聽時我更會不自覺忘了所有的理論與規則，讓Brownie的音樂帶著我前進，結束後，除了讚嘆之外，仍是讚嘆！演奏爵士樂一定要很兇嗎？一定得完全自由即興嗎？一定要背很多音階嗎？一定得死K書搬理論來壓人嗎？多聽一些偉大的音樂家，多做詳細的分析，各位會發現︰書本在音樂人格之中所佔的只有一小部份而已，不斷利用有限的素材，去發揮無限的可能性，才是有志於奉獻爵士樂的各位所應該時刻思考的。
今天我們將重點擺在爵士節奏與律動上，希望各位都能有所體會，並回頭看看第一篇《Bag's Groove》揣摩一番，至於音的選擇及更深入的探討，我們會循序漸進地介紹。此外更要持續多聆聽多採譜，這是你能接近swing feel最有效的方法之一，當然，不同的樂器自有一套應得的方式，各位可以多請教前輩或老師，或直接以唱片為師，方為最保險之策！
好了，以上報告完畢，請拿起你的樂器（鋼琴手可免），開始學著唱片慢慢地練習吧！
《風格相近之其他專輯作品參考》
1. Clifford Brown「The Complete Paris Session, Vol I~III」(Vogue American Jazz In Paris Series 743211154612,22,32)
2. Lee Konitz & The Gerry Mulligan Quartet「Konitz Meets Mulligan」（Pacific Jazz CDP 7 46847 2）
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