很多Jazz Standard因為就是二〇～五〇年代的美國流行歌曲，所以旋律的安排會影響和絃的變化，和絃的安排也會影響旋律的變化，旋律的「模進」（Sequence）跟和絃進行有關，爵士即興就是旋律發想的“快速花式版”
文 / 謝啟彬
這部教學影片點下去19:29處，看起來好像是老師在介紹《Soon》，但是其實是對於Eb大調的SDM句子的示範，所以我常會問學生看過影片了沒？學生很多沒看過老師其實是下課後額外補充拍攝剪輯甚至製譜的，或是回說看過了（其實看過跟熟練了，還是很大的差距的）
而如果你耳朵不夠好，老師也把句子的樂譜都打出來了（發光的鍵盤我做不到抱歉...），我覺得重點在於媒體如何運用，而不是要用什麼媒體去吸引人，如果出發點是真的要學習的話，那麼就算老師拍再多影片，或是剪輯成更多所謂短影音，或是下聳動吸睛標題，學生找不到重點，然後之後沒有擷取這些老師的心法去練習，一樣是無用的
關於《It Could Happen to You》（Jimmy Van Heusen）與《Soon》（George Gershwin）這兩首Jazz Standard，在教學生們時有講到旋律的模進，這些Jazz Standard因為就是二〇～五〇年代的美國流行歌曲，所以旋律的安排會影響和絃的變化，和絃的安排也會影響旋律的變化，這是我們分析的重點，原來都是可以傳唱、大眾會朗朗上口的流行歌曲
最近幾個月老師都把曲子「限縮」在Eb大調內，目的就是要大家可以發現那些「規律」，那些規律加上前面講的「變化」，就是所謂的「樂理」
所謂樂理不是一本書、一本手冊，大家照著這些章節與介紹來做就對了的概念，樂理是累積的、傳承的，在教授創作時（包含作曲、編曲、即興）解釋樂理，是在揣測音樂人是怎麼想的？那些音樂人甚至不知道那麼多後代為了教學方便，所做的歸納與命名
就跟前幾天我有跟另一個團班，複習拿坡里六和絃或拿坡里和絃講的一樣，那些拿坡里樂派的作曲家不會知道他們被後代稱為是這個樂派，而N6的用法其實在更早的巴洛克音樂時代就已經很多作曲家在用了（拿坡里樂派是從巴洛克時期進入古典時期的一個範疇，但音樂發展從來就不是單線的，誰死了就換誰繼承那樣，而是多面向的）
講拿坡里和絃可能是後世當時命名的教育者或學者，分析了比較多那些那個區域跟那時期的作曲家，他就這樣分類了，但重點是知道程序與用法，以及最重要的聲音
古典樂裡頭講所謂的德國增六、法國增六、義大利增六（詳見「和聲篇」）也是一樣道理，不是啥教宗規定皇帝頒布之類的法律，當時歐洲各地（很多古代國家）的作曲家在作曲時都會用到，直到二十世紀都是
像法國增六和絃名稱的由來就有一種說法是，因為當時德語系這邊的社會在“哈法”（詳見之前我寫神聖羅馬帝國與漢堡市、薩爾茲堡的文章，他們那時候還不是奧地利也還不是德國），所以講法國增六和絃跟在日本講台灣道地珍珠奶茶、台灣講日本空運來台限定或故意寫日文字、美國原裝進口、正宗土耳其烤肉...那樣一樣意思，就比較炫（Hip）而已
所以為何啟彬老師喜歡講典故？不是要你去強記這些典故，是要學生或讀者知道，很多東西是同一種，但是因地因時因人制宜，會有很多不同的稱呼與叫法？像所謂在以色列的聖彼得魚其實就是跟台灣的吳郭魚同種，都是非洲鯛的衍生 - 對的，任何事物都會衍生，衍生之後就多出更多名字，從文字上去切入真的很多時候就愈跑愈遠...
所以我也常會跟學生們講，你不要去死記什麼等於什麼？這樣你永遠記不住，或永遠都在問老師這樣可不可以？那樣有沒有“因而成立”？是不是只要怎樣記就一勞永逸了？...
和絃記號是效率下的產物，耳朵要聽到哪些音保留、哪些音移動，這種「流動」（Flow）才是爵士樂手學習即興時會掌握的，就是因為我們的訓練會去大量強調感受「那些看不見的力量」
我自己統計大家學過的Eb大調或被我移到Eb大調Jazz Standards有：
There Will Never Be Another You
It Could Happen to You
I Hear A Rhapsody
But Not For Me
In A Mellow Tone
Our Love Is Here to Stay（老師移調成Eb大調讓大家對比學習，也很常以F大調演出）
On Green Dolphin Street（中間有短暫轉調又轉回）
光是這8首可以掌握好，你的能力就會提升，但絕不是紙上談兵或是網路影片或是曲目清單的概念而已！
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